miércoles, 31 de diciembre de 2008

Etica Ricotera (en ficción literaria)


"...Asi me encontraba a comienzos de los noventa, en la ciudad de La Plata, con un bajo electrico que dominaba con mínima destreza, y el deseo de armar un trío de rock.
Aquí se ponían en juego muchas fantasías. Aunque en sus comienzos, dicha aventura podía involucrar el deseo de tener éxito, pronto abandoné esa ilusión mundana y la reemplacé por una concepción del rock como un vehículo de la manifestación estética de los deseos, un lenguaje con el que dar rienda suelta a la creatividad. No era la fama lo que me atraía sino la posibilidad de expresar cosas a través de ese género popular, que no exigía necesariamente un elevado virtuosismo, que combinaba letras y música, que tenía un efecto exorcisante, una manifestación de la vida que se me antojaba cercano a la libertad.
Sabía que una banda de rock eventualmente debería lidiar con los medios masivos. Pero en esa materia, la ética ricotera predominaba. Los redondos eran una banda cuya historia había vuelto a instituir valores que hicieron mella en parte de la juventud de la época: la autogestión, la no adaptación a la lógica de los medios masivos, una poesía que sugería mensajes libertarios, etc. Eran una banda que nos “bajaba línea”, aunque no lo hiciera literalmente. Constituía un fenómeno que apelaba a la autenticidad, el no prostituirse ante el “star sistem”, el hacerse “desde abajo”, etc. Ellos habían recorrido un camino, habían logrado éxito y prestigio. Dos atributos que pocas veces se encuentran juntos.
Quienes escuchábamos su música éramos permeables a esa densidad “ética”, a esa senda honrosa marcada por la legendaria historia de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Quizás éramos ingenuos, ya que Los Redondos eran un caso excepcional, que habían sabido crecer en un momento justo, irrepetible. Ninguna banda lograría cierto éxito guardando la conducta intachable que expresaba la exigente escala de valores ricotera.
Además, los redondos eran una banda de rock cuya obra musical-poética-mística, tenía la fortuna de llegar al corazón, producir un hechizo colectivo en los que los escuchábamos. Sus discos se convertían en objeto de culto y los temas inmediatamente ganaban la categoría de clásicos. La críptica e inteligente poesía del Indio Solari se prestaba a miles de interpretaciones y estaba llena de frases poderosas. Un recital de los redondos era un ritual del que participaban miles de incondicionales “inocentes en remera” (en términos que Ricardo Mollo adoptaría), causaba una literal invasión de las ciudades en que se realizaban. Una especie de “aluvión zoológico” de ricoteros ganaban las calles, bebían cerveza y vino en cajita, fumaban porros, meaban en la vía pública. En fin, se trataba del terror e indignación de las ancianas y la gente respetable. El show tenía algo de fiesta orgiástica, de embriaguez de los sentidos, de anulación de la individualidad para actuar según los caprichos de una masa descontrolada. Temas como “Ji, ji , ji” causaban lo que el propio Solari llamaría sin exagerar “el pogo mas grande del mundo”
El fenómeno ricotero era también fuente de prejuicios, intolerancias, propias de una “concepción futbolera” del rock. Los más acérrimos ricoteros despreciaban y odiaban a otras bandas como Soda Stereo. Se producían escisiones entre gustos y seguidores; barreras infranqueables; enemistades irreconciliables.
Con ingenuidad de colegial, por un tiempo me dejé seducir por ese imaginario picotero Quizás eso estrechaba mi sensibilidad y reprimía mi apertura a otras propuestas roqueras.
Por fortuna, con el paso del tiempo, mi cabeza se volvió menos prejuiciosa y le dió la bienvenida a una pluralidad de estéticas musicales; además mis principios éticos se hicieron más flexibles, adoptando cierto pragmatismo. Eso que algunos llaman “madurar” y otros llaman “transar”..."

viernes, 26 de diciembre de 2008

Noritah Jones. Encantadora



Es puro talento y belleza. Cuando la vi por primera vez no la supe apreciar. Lo que pasa es que tiene un estilo muy sutil. Hay que escucharla varias veces; uno va aprendiendo a degustarla de a poco
Hija de Ravi Shankar, pianista, compositora, cantante; fusionadora de estilos (countrie, pop, jazz, etc) Dueña de una encantadora personalidad: sobria, de tímidas sonrisas, humilde. Bella y joven. Con una banda sutil y austera que la acompañan con sensibilidad y buen gusto. Sus canciones tienen un equilibrio entre sencillez , sutileza, encanto sin sobresaltos. Escuchenla y compruebenlo.
A veces hay que descansar del Rock and Roll y abrir la cabeza.

Mariano
Clown de la palabra

Nirvana. La furia, la risa y la tragedia




Primer momento Nirvana (dentro de una ficción)

“…Desperté vestido, sobre la cama revuelta. Era la madrugada de un domingo a eso de las tres de la mañana. No tenía sueño y los ecos de la ruptura con Cintia (que ya volvia a su forma humana) se sentían menos molestos que la contractura en mi cuello. Evalué mis alternativas de acción. No tenía un peso encima así que salir a tomar algo era una opción descartada, salvo que optara por una caminata sin consumo, a la “franciscana”. Para intentar seguir durmiendo busqué un alplax que mi vieja, que estaba en la casa de su novio, guardaba en el botiquín del baño. Ya no quedaban. La espera de la mañana sería larga. Probé con un libro que me habían prestado, una obra new age que hablaba de chacras y meditación. Lei un rato hasta que llegué a ese momento en que los párrafos pasan automáticamente sin que el contenido ingrese a la comprensión. Miré el equipo de música, estaba prendido todavía. Decidí probar con una FM. No recuerdo cual. Siempre me mantuve una tanto alejado de las modas musicales y rara vez escuchaba radio. Ajusté el dial hasta dar con una señal clara. Se escuchó la voz de un locutor joven. Sonaba entusiasmado y no tardó en presentar un tema. Algo sucedió que conquistó mi atención. Empezaron a sonar los acordes de “Smell like Teen Spirit” de Nirvana. Escuché el tema y me sacudió los sentidos como el vértigo de una montaña rusa. “Algo nuevo” pensé. Algo nuevo en el rock. Me cautivaron del tema esa brusca alternancia entre melodía suave y estribillo al palo gritado y distorsionado. La voz de Cobain además tenía un timbre tan adecuado al género como había sido la del cantante de Creedence, por ejemplo, años atrás. El tema era sencillo armónicamente pero sumamente original; me era imposible reconocer un antecedente. Los gritos de Cobain expresaban una liberación del alma, un espectacular derroche de furia. Cosas que solo el buen rock puede lograr. Sobre todo en un paladar como el mío que se había criado con el rock desde chico y que tardíamente había aprendido a valorar otros géneros como el jazz. Esa crudeza de Nirvana parecía despertar al rock de la “siestita de música de plastico” que las melodías dulzonas y prolijas de gran parte de los ochenta con sus baterías eléctricas y sus sintetizadores, habían impuesto, fuera de honrosas excepciones. Nirvana le devolvía al rock un espíritu desgarrador que nos exorcizaba, que liberaba los demonios que moraban las vísceras con una tremenda energía.
Para mí esto reforzaba mi obsesión con los tríos de Rock. Renovaba y daba vigencia al linaje de tríos que para mí había abierto Hendrix .Los locutores hablaban de “grunge”, una movida que provenía de la zona de Seattle en Estados Unidos. La radio volvió a pasar “Smell…” un par de veces. Yo me puse a pensar como sería una síntesis entre esto nuevo y mis influencias de la música negra..."

Segundo momento Nirvana:

Mediados de los noventa. Yo volvía de un viaje largo en un micro barato y malo. Ya no me quedaban posiciones que adoptar en el asiento en que no me sintiera incómodo. Era madrugada y el ómnibus paró en una estación, lo cual fue un alivio para las vejigas y la posibilidad de respirar un poco de aire fresco. Fuera de la estación había un puesto donde un vendedor exhibía toda clase de casetes truchos (era epoca de casetes y de walkmans, no existía el mundo del ipod ni el cd). Yo había permanecido al margen de la movida de bandas que se identificaban con la corriente “grunge”; siempre me resultaron indiferentes las modas. Sin embargo, de la mezcla de casetes que se ofrecían en el puestito, decidí comprar “in utero” de Nirvana. Al principio me impresionaron los rugidos exagerados de Cobain en el segundo tema “scentless..” y casi apago el walkman para no someter mis oidos a tanto tormento. Pero llegó “Heart-shaped box” y empecé a encontrarle la onda al grupo. Con el tema “rape me” descubrí que las letras debían ser oscuras y provocadoras:¿a quién le gritaría “violáme!”?
El disco me fue convenciendo de a poco. Me fui dejando cautivar por el sonido Nirvana, así como estaba pasando con gran parte de mi generación. Ese año conseguiría “Nevermind” que es quizás el mejor disco. Ese año moriría Cobain. La efimera carrera de nirvana dada la tragedia de Kurt le daban un toque de misterio al fenómeno, el atractivo morboso que envuelve a los mártires del rock.


Reflexión

En el video de un recital me di cuenta que el show estaba muy sostenido por el descontrol que generaba Cobain. Al final del show rompía todo lo que tenía alrededor, generando una tormenta de acoples de su guitarra, y miraba al público con ojos burlones como diciendo: “ustedes quieren esto; son adolescentes en busca de entretenimiento, tomen mi cuerpo”.
Por lo que supe, Cobain tenía una postura crítica respecto a la sociedad de consumo. Quizás eso era el origen de la contradicción que le daría un empujoncito a su naufragio personal. Nirvana en poco tiempo se convirtió en una de las bandas más populares de su época. No se puede estar en el ojo de la tormenta que genera la industria cultural y ser crítico de ello al mismo tiempo; o comulgás con el sistema, o sufrís las consecuencias. Su estética era muy provocadora, además de los gritos y la distorsión de la música, estaban las letras ácidas : “ god is gay, burn the flag” Es difícil sostener con el cuerpo una actitud así.
En su nota suicida Kurt decía algo al respecto: ya no creía en lo que hacía y no podía seguir asumiendo un rol que contradecía tanto los valores que lo habían motivado a crear una banda de rock.
Seguro que también actuaron las drogas y los excesos. Pero creo que Kurt sufría la falta de sentido de quien pretendía ser auténtico y a la vez se veía a si mismo en la condición de una mercancía para masas. Una de las mercancías sometida a la tormenta que genera el millonario negocio del rock. Quizás el éxito desmedido lo había empujado a la tragedia.
Creo que Nirvana fue una banda que logró algo original y bueno dentro del rock. Aunque no fueran virtuosos (Kurt cuando hacía solos de guitarra parecía un chimpancé ebrio), aunque duraran tan poco, etc. Tenían una creatividad que lograba cosas bellas con recursos sencillos.

en la foto estan serios. Pero solían tener una ironía que los alejaba de la solemnidad. Como cuando se vestian de mujer. El que heredó ese sentido del humor fue el baterista (los videos de Foo Figthers recurren a la parodia y el ridículo). Quizas tomarse a si mismo en broma es un antídoto contra los callejones sin salida de la existencia.¿Cuándo habrá perdido la sonrisa Kurt?

Mariano

Clown de las palabras

miércoles, 24 de diciembre de 2008

A rodar la vida


Anoche fuimos a ver a Fito Paez con una gran amiga. Tocó en la trastienda en el barrio de San Telmo en Buenos Aires. Aunque quizás su popularidad haya disminuido (si lo comparamos con el que llenaba estadios a principios de los noventa), Fito se encuentra en un momento de gran nivel de sus capacidad artística. Se presentó acompañado por una banda de rock menos virtuosa (los Killer Burritos) de las que lo acompañaban hace unos años, pero que cumplieron su trabajo con gran capacidad de moverse en el rock n roll. En coro femenino estaba la sensual y excelente cantante “Emme” (hija de Lito Vitale).
Empezó tocando temas viejos. El show tuvo su momento “intimo” con Fito tocando el piano solo demostrando su dominio del instrumento y sorprendiendo con una intacta voz, después de tantos años de dejar todo en los escenarios. La recta final del show estuvo signada por los hits.
Yo me di el gusto de hacer pogo, revoleando la remera en “a rodar mi vida”, saltando como un desaforado en “Mariposa Technicolor”. Cosas que despiertan las emociones irracionales, desatan las pasiones y dejan libre por un rato al animal que llevamos dentro. Como lo que pasa en una hinchada de fútbol, pero sin la intención de humillar y matar al adversario.
Había gente de todas las edades; aún adolescentes. Es notable la mella que hacen sus canciones en el alma de sus seguidores. Se cumplió un ritual que demostró la vigencia del músico y su capacidad de liderar un show e interactuar con el público.

viernes, 19 de diciembre de 2008

¿Porque son menos frecuentes las bandas con cantantes femeninas?


Yo tengo mis conjeturas al respecto. Pero me gustaría que alguien me responda. Mejor si es una mujer cantante.
Un amigo me dijo: es imposible hacer que una mujer que cante bien vaya a los ensayos y se cope con armar una banda.
A mi me gustaría armar una banda en la que cante una chica; mejor si tiene temas propios. ¿Alguien conoce una cantante candidata (de aquí, de La Plata)?
El rock a veces parece un mar de bolas. Hablando mal y pronto.

No era bella Janis?

Mariano

miércoles, 17 de diciembre de 2008

Tipitos


Hace unos años (mas de cinco) tuve que ir a hacer un trabajo a Villa Gessell en temporada de verano. La peatonal de Gesell se llena de actos de músicos, mimos, malabaristas, un montón de artistas callejeros. Una de las primeras noches que recorrí la calle principal, me encontré con los Tipitos. (en esa época eran bastantes desconocidos) Tenían instrumentos y equipos chiquitos y hacían un show de covers. Cosas muy divertidas.
Mas tarde se hicieron conocidos creo que a partir del disco “armando camaleón” , donde metieron varios hits que sonaron en la radio. A mi me caen simpáticos por varios motivos: porque parece que se hicieron de abajo, porque son afinados, tocan bien y algunos temas me gustan como “campanas en la noche”.. Además, el nombre de la banda tiene la virtud de carecer de pretensiones de solemnidad.

Hace un par de años, un verano había ido con mi novia de ese momento de vacaciones a La Lucila y nos fuimos a San Bernardo a verlos a un teatro. Fue un show muy bien armado. Además de tocar sus temas hicieron una cómica seguidilla de temas disco y covers bien ejecutados de tipos como Michael Jackson . Tienen un buen feedback con el público, sentido del humor y son buenos musicos.
Creo que se merecen haber logrado cierto éxito.

jueves, 11 de diciembre de 2008

El rock llevado a su máxima potencia: Led Zeppelin.



Tenían de todo. Robert Plant, cantante expresivo, carismático, que afinaba aun en las notas más jugadas. Jimmy Page, guitarrista que producía los mejores riffs de la historia del rock y manejaba las guitarras acústicas con una sensibilidad y creatividad sorprendentes. John Paul Jones, un bajista virtuoso que además sabía tocar teclados. Bonzo, un baterista de una potencia demoledora que hizo escuela en su estilo (y que murió joven, debido a sus excesos)
Sobre la banda circulaban mitos como el supuesto pacto con el diablo de Page y cosas por el estilo que siempre atraen a los más jóvenes.
Los temas exhibían rocanroles o blues clásicos, baladas acústicas, algo de psicodelia, influencias de musica árabe, creativos juegos entre los riffs y la batería, soul: de todo. Uno escucha un disco de Zeppelín y no se aburre. Es música potente, como para poner de fondo cuando uno tiene que acometer trabajos manuales. Es musica que levanta el espíritu.
Hablemos de un tema sublime: “escalera al cielo” es una composición que se toma sus tiempos (es un tema largo , las intensidades están en funcion de ir creando un clima que va aumentando su intensidad) empieza con dulces melodías acústicas, partes instrumentales, que van in crescendo, hasta que se genera el clima propicio para que irrumpa el solo de Page, que empieza estirando una cuerda (que te pone piel de gallina) y dibujando frases con recursos bluseros. El tema se va poniendo pesado hasta lograr un climax, para luego terminar con la baja intensidad que tenía al principio.
Se me dirá que “escalera al cielo” fue muy difundido y sería un lugar común proclamarlo como el mejor tema de Zep. Pero “objetivamente” es un tema donde todo el talento compositor y arreglador de la banda se plasma. Está en el disco “Led zeppelín 4” un disco muy bueno. Uno de los mejores.

Yo me encontraba veraneando en Viña del Mar, Chile cuando por casualidad me enteré que iban a tocar Page y Plant en esa gira que hicieron en los noventa. Con algunos de mis compañeros de viaje fuimos a verlos al estadio del Club Everton. La puesta en escena era imponente, era un banquete de recursos musicales: además de los instrumentos roqueros (guitarra bajo y batería), había una orquesta clásica de cuerdas, instrumentistas exóticos, y un set de percusionistas marroquíes (si mal no recuerdo). Así que el show tuvo ingredientes musicales de todo tipo a veces los arreglos arabescos te transportaban imaginariamente a geografías exóticas. Cerraron el recital con el tema “rock n´roll” haciendo que todos los que estábamos en el campo saltáramos como hechizados. Uno de los mejores recitales a los que asistí.

Led Zepellin es una banda imperecedera. Todavia hay bandas que tratan de emular su sonido. Lenny Kravitz les ha afanado un monton de cosas, por dar una ejemplo. Es una de mis bandas favoritas. Aprovecho este momento para decir que en este blog generalmente hablo de cosas que me gustan ; no soy un crítico de rock que se ve obligado a escribir una nota entera destruyendo cínicamente a un grupo que detesta , pero que tuvo que escuchar por orden del director de la revista. Lo que no me gusta lo ignoro o le dedico un breve comentario.
Ojalá hagan contacto personas con gustos similares.

Mariano
Clown de las palabras

Morcheeba. Belleza de un pop refinado



En general las bandas de rock suelen ser bastante machistas. La mujer queda a lo sumo relegada al rol secundario de corista.
Claro que esta regla tiene varias excepciones. Desde Janis Joplin hasta Joss Stone. Una de esas excepciones la constituye la banda ”Morcheeba”, cuya bellisima (ex)cantante negra canta sin la afectación del gospell, soul y rytm n´blues que usan la mayoría de los/las interpretes negros. Skye (así se llama la cantante del mejor momento que tuvo el grupo) canta con simpleza, melodías bellas, simples, sin artificios, con una banda muy “cool” que tocan unas bases de pop refinado, con algo de Jazz logrando unos climas alucinantes. Tienen buen gusto para lo que hacen. Los conocí gracias a Fabian, que tiene buen paladar para la música.
Un tema se llama “Undressme Now” lo cual, proviniendo de esa cantante es una invitación hiper erótica.

Recomiendo el disco que se llama “Charango”


Mariano
Clown de las palabras

lunes, 8 de diciembre de 2008

Merecido ganador del martin fierro: Peter Capusotto y sus videos



No se puede pensar el rock de la misma manera desde que salió este programa

domingo, 7 de diciembre de 2008

Fito Paez . Desde “vengo a ofrecer mi corazón” hasta “vivir atormentado de sentido”


En su carácter de “Psicodelica Star de la mística de los pobres”, Fito Paez viene trayéndonos sus canciones desde comienzos de los ochenta. Allí nos decía “quien dijo que todo está perdido” en el contexto de una sociedad que había sido herida por el terror y había perdido mucho. Entonces el ofrecía su corazón como el granito de arena para ayudar a renacer, a volver de las tinieblas. Esta canción “yo vengo a ofrecer mi corazón” puede ser la expresión de cierto compromiso que Paez con quienes buscaban reconstruir el tejido social posdictatorial.
El rosarino había llegado a Capital con la trova de Baglietto y compañía. Pronto es convocado por Charly García para formar parte de “Clics Modernos”. Y Luego se largaría con su carrera solista.
Pero acá no se hacen Biografías. Acá se trata de dar un punto de vista, una interpretación libre sobre el artista.
Como compositor fue experimental en sus comienzos, Influido por Spinnetta, Nebbia y Charly. Luego conforme su carrera fue interactuando con la industria musical, empezó a dar más espacio a los hits.

Digresión: Los hits en general, aunque son a veces juzgados desde un extremismo “anticomercialista” como una concesión al mercado, son tambien generadores de un fenómeno fantástico al escucharlos en los discos o (mejor aún) en un recital. Los hits producen un estado de catarsis entre el artista y su público. Un estado de conciencia mágico. Hedonismo puro: placer narcisista del artista y placer de la sensibilidad del público. El público goza de los hits como si se tratara de una inyección intravenosa de disfrute. Y esto es algo maravilloso, no sólo un fenómeno “pervertido” por las fuerzas del mercado.
Volviendo a Fito, él tiene muchos hits que hacen que uno goce de un recital suyo de esta forma inocente, sin mediar cualquier análisis critico. Afortunadamente me pasa que a la hora de escuchar un disco o ir a un recital, o ver una película, me desprendo de mi (escaso) bagaje de pensamiento critico y disfruto tan ingenua e inocentemente como cualquier otro espectador.
Si hablamos de las letras de Fito hay que subrayar su carácter autorreferencial. Todas parecen impregnadas por alusiones a su historia personal, el relato de algo de lo que él fue testigo, sus amores, sus cavilaciones existenciales, etc. En definitiva, Fito se “abre” en cada letra, te invita a ser espectador de su subjetividad. Y quizás en ello resida gran parte de su belleza, porque el tipo es copado, su biografía es interesante, es inteligente, le gusta leer, el cine, las mujeres bellas y talentosas. La subjetividad de Fito nos es exhibida en sus canciones. Y son canciones que, salvo algunas frases crípticas, derrochan sentido. Por eso de aquí en adelante haremos un recorrido por lo que nos sugieren las canciones que más me gustan de él.
“Tres Agujas”: el viaje, una nación sin cruces (religión: “una iglesia es como un circo”) ni banderas ( sin nacionalismo). El mundo partido por la mitad de principios de los ochenta. Su canción es un “antídoto liviano” contra todo eso. La referencia a un amor en el que está “tranquilo pero herido”. Recomiendo escuchar la versión del disco “Euforia”
“Cable a Tierra”: Parece una mano tendida a alguien repasado con la merca. Le recomienda abrirse al amor como cura. Y él (el sujeto de la canción), camina (o sea se ofrece)”bajo la luna” hacia el amigo que puede estar “cegado de poder”. Hay una disyuntiva. Por un lado está el teléfono del dealer, por el otro, la mano amiga que llega al rescate.

“Instantáneas de la calle” hay, como el titulo lo indica, una sucesión de imágenes (como fotos) del escenario urbano. Mientras él está anclado sin su amor y se le hace difícil. “Al borde de un cielo sin sol”. Mientras entre otras cosas Olmedo se ríe de todo. Y él siempre volviendo al corazón de ella. Es una cancion muy cool que está en el disco que Hizo junto al Flaco Spinetta (nada menos)

“Ciudad de pobres corazones” Una ciudad donde se matan a pobres corazones (se dice que fue una alusión al asesinato de sus abuelas) “Buen dia lexotanil”: las pastas que lo ayudan a aguantar el dolor. Y un grito desafiante: “no me veras arrodillado”, no va a dejarse caer ante la violencia.

“Polaroid de Locura ordinaria” Es de esos hits donde cuenta una historia de una personaje femenino junto con la que lleva una vida bohemia, desordenada, de excesos, ocio y el coqueteo con el suicidio “ se hundió la gillette” “sangró y se reía como loca”

“tercer mundo” Es la enumeración de personajes públicos de su época. Es la Biblia y el calefón. Imágenes como Kadafi que en una disco pide petróleo pero le dan “fernet que es un buen veneno” Una ensalada divertida de personajes. Y él que no sabe como vino a parar al tercer mundo.

“Carabelas de la nada” una descripción de su mundo. Carabelas que no llevan a ninguna parte. Una cancion desde el alma. La canción es un catalogo del material que a uno lo inspira para componer. Desde la mención de Chico Buarque, pasando por el coqueteo con el tango, la muerte de un tipo en Mataderos “un balazo en un aguante”. La canción es melancolica. Si uno esta tomando un vino tinto la frase “ Hoy paré con la botella, todos saben lo difícil que es zafarse de ella” le otorga onda al asunto. Yo me tomé más de un vino escuchándola.

“Hazte Fama” Es una forma de tomarse con humor esa fama de reventado que se hacen los musicos de rock. La bronca que les dan a las vecinas chismosas y el prestigio que le da cierta fama de reventado a los roqueros. (Fito suele hacer alarde de sus borracheras y demas vicios en entrevistas) “Cuando este mundo se agita” (cuando es agitado por el roquero) “todos empiezan a joder”

“y dale alegria a mi corazon”: Es algo tan básico. Un ruego pidiendo alegria , nada mas que alegria. La presencia de Luis Alberto Justifica la cancion.

“Petalo de sal”: La letra es un poco críptica. La ciudad pierde sentido si no esta ella. La melodía , el arreglo y la presencia del flaco, son una combinación exquisita.

“ A Rodar la Vida” Es una canción festiva. Un hit. La conciencia de que uno está vivo y la vida empieza a rodar. Se puede interpretar como la alusión a cómo la vida de Fito tomo un curso vertiginoso a partir de el éxito de su álbum anterior (Tercer Mundo). La propuesta final es copada: “ si un corazón triste pudo ver la luz, si hice mas liviano el peso de tu cruz, nada mas importa” Un lujo el solo de viola de Carámbula. Él no sabe a donde se dirige su vida “pero tampoco creo que sepas vos”. La perplejidad ante el azar del destino. Canción para revolear remeras en el recital.

“Circo Beat” es una manifestación de su condicion de estrella de rock. Se justifica “mi pasado es real (me costó llegar acá) y el futuro es libertad” . La caracterización de lo Beat como un circo es un poco una invitacion a no tomarse tan en serio el mundo del rock. Ya hay aluciones a su vocación por el cine “yo me muero por Gina Rowlans”. ¿Quienes serán lo monos que están “devastando este lugar”?

“Mariposa Teknicolor”: El carácter fílmico de los recuerdos de la vida. Fragmentos de vida de Fito (los domingos en el club, etc) en una imaginaria película (teknicolor) ¿no es acaso un poco análogo al lenguaje del cine el funcionamiento de nuestra memoria? Otro hit que despliega energía.

(Hay que hacer especial mención a la impresionante labor del bajista Guillermo Vadalá a lo largo de gran parte de la obra de Fito. Un Bajista impresionante)

“Cadáver Exquisito” Es la alusión a una técnica del surrealismo para crear. Referencias a la vida. Fito busca su piedra filosofal (una sustancia que según la alquimia tendría propiedades extraordinarias y que aquí quizas se trate de algo capaz de desencadenar el poder creativo) en una novela (recomendable) de Arlt “los siete locos”, en un cadáver exquisito, en la quinta esencia de la musica, etc. Los arreglos y la ejecución del tema están bárbaros

El disco que Hizo junto a Sabina está plagado de temas bárbaros. A mi me gusta particularmente el primero “La vida moderna” Donde aparece la necesidad de descifrar “el álgebra de la vida moderna” y la necesidad de trascender “hasta el año cien mil” Pero en definitiva la ecuación (la cifra, el secreto) de la vida moderna termina siendo la soledad. Me gusta la polenta que tiene el tema y los arreglos.

“Al Lado del Camino” En este tema la letra es la protagonista. Es como un manifiesto existencial donde parece plantearse un cambio en su postura. Fito, que en un principio ofrecía su corazón, y así establecía un compromiso, ahora prefiere hacerse a un costado de los acontecimientos(estar “al lado del camino”) y dejar que todo pase. Se permite decir, con incorrección política: “yo ya no pertenezco a ningún ismo” lo que equivale a decir “ahora pienso libremente y respondo por mi mismo, me hago cargo de ser un individuo” .Todo un desafío.¿será acaso el fin de ese compromiso que había establecido en “yo vengo a ofrecer mi corazón”?. De todos modos es solo una canción no un discurso político. Ye esto es una libre interpretación y no LA VERDAD sobre Paez.
Una frase maravillosa: “vivir atormentado de sentido, creo que esa sí es la parte más pesada” Frase que refleja el sentimiento de todo aquel que se atrevió en la vida a jugar con el sentido, a crear, a leer, a hacer públicas sus opiniones, etc En definitiva quien piensa y se atreve a cuestionarse los caminos “correctos” de la vida. Como lo hizo y lo sigue haciendo Fito, aunque sepa que el precio es “vivir atormentado de sentido”. Esto último refleja lo que se juega todo el tiempo en una existencia como la de Fito.

viernes, 5 de diciembre de 2008

Jimmy Hendrix. Aludido en un fragmento de ficción


"...Un día pasó algo que me marcaría a fuego: escuché un disco en vivo de Jimmy Hendrix. Esa experiencia abriría nuevas puertas en mi sensibilidad. Se trataba de la expansión de los limites expresivos de una guitarra hasta llegar a esos lugares de la experiencia rockera, donde las convenciones y los cánones se disuelven, donde se crean nuevos colores, nuevos matices y sutilezas y, en el caso de Jimmy, ruidos y tormentas sonoras que parecían desafiar las estructuras conservadoras de la realidad ordinaria. Un negro (en un país dominado por los blancos) osaba recorrer un camino que, partiendo de canciones convencionales de tres minutos, iba retorciendo las reglas del rock hasta llegar a un éxtasis de surrealismo sonoro, de realidades lisérgicas donde reinaba la plena libertad de las capacidades expresivas. Todo eso provocado por el ensamble de tres instrumentos. Un trio (“power trios” se los llamaría mas adelante): batería, bajo y guitarra. La banda de hendrix exhibía sus creaciones al público masivo e influía a otros músicos de diferentes partes del mundo merced al poder de los medios de difusión.
Claro que en las raíces de ese despliegue de talento estaba el blues, el soul, la música negra en general; y además las experimentaciones habían llegado a cimas admirables en el jazz de los cincuenta. Pero esto de Hendrix y sus compañeros tenía la fuerza y la dimensión propias del artista de rock exitoso: se volvía héroe para multitudes de jóvenes, sus creaciones trascendían lo musical y lo poetico, implicaba una actitud osada provocadora y liberadora, una estetica extrabagante, el ejercicio de una radical libertad de creación. Jimmy hacia mella en gran parte de la juventud de la sociedad norteamericana desafiando al conservadurismo, allá por fines de los años sesenta. Era negro Jimmy y se atrevía a tocar una versión del himno nacional yanqui a toda distorsión haciendo que su guitarra eléctrica emitiera alaridos, semejantes a gritos de dolor ¿Se trataba de una manifestación de patriotismo o una crítica alusión al horror de la guerra que su país llevaba adelante en Vietnam? ¡Un negro atreviéndose a eso! Sin duda revolvería el estómago del WASP norteamericano. En su atrevimiento, Jimmy se hacía cargo del espíritu de la efervescente juventud de esa época y se convertía en un paradigma, un mesías de la psicodelia y la contracultura. Quizas la intensidad con la que vivió sus ultimos años resultó demasiada exhigencia para un cuerpo humano. Murió prematuramente, como un Cristo del rock, de su raza, de la cultura pop, moría joven y en su cima. De esa manera se convertía en una estrella del cielo que guiaría a miles de navegantes de la cultura rock..."

Mariano
Clown de las palabras

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Juana Molina



Quizas recuerden su programa Juana y sus Hermanas. Donde Juana Molina encarnaba diversos personajes con un humor absurdo: Una cheta, una psicologa (que tenía una muletilla “decimmmoss”). etc. Yo veía el programa, que quedo sepultado por la maquina de olvidar de la televisión.
Un día, en la época en que compraba discos de un catalogo, me encontré con uno de Juana llamado “segundo”. Decidí comprarlo por curiosidad. Lo puse a reproducir y me encontré con algo nuevo, una composición que podría llamarse psicodélica, ya que logra abrir y expandir los codigos con los que digerimos la musica popular. Ritmos de influencias de música indú. Teclados que ascienden y decienden los acordes de una forma que no salta por intervalos convencionales (un semitono por ejemplo), sino que recorren todo lo que hay en el medio, pareciendo desafinar, pero logrando un efecto “slide” loco. Loops de guitarra sobre los que se desarrollan melodías de una voz afinada simple y nada impostada (quizas esa forma de cantar la haya heredado de su padre, el talentoso Horacio Molina). Melodías simples, casi infantiles pero con sutiles detalles que las enriquecen y contribuyen a enrarecerlas, a favor de los amantes de la originalidad.
Las letras carecen de pretensión poética. O más bien, contienen la belleza de lo no pretencioso; se anima a hacer una versión de las primeras estrofas del Martin Fierro, mas adelante cuenta la historia de un perro que ladra cuando su dueña no está molestando a los vecinos. Tambien hay ruidos de la naturaleza que adornan temas como en “el mantra del bicho feo”. Desde “segundo” (que resulta ser el segundo disco que graba) consigue un sonido original y creativo.

Algo después de haberla escuchado por azar, me enteré que su disco “tres cosas” había logrado la bendición de un crítico del New York Times, situándolo entre los mejores álbumes grabados ese año, a la par de U2 , Bjorg y otros Grandes. También me enteré que Juana había sido elegida para actuar de soporte en una gira de David Byrne (un músico siempre atento a lo que pasa en la periferia).

La cuestión es que me enteré que Juana se iba a presentar en el teatro ND Ateneo. Y yo, decididamente compré un ticket y me fui sólo a Buenos Aires a verla.

Me senté en un hall que tiene el teatro a esperar que empezara el show. La gente que iba llegando era una mezcla de todas las edades y ondas. Había jóvenes “Goticos”, adultos en familia, adolescentes, etc. Un personaje que me llamó la atención fue un flaco alto que llegó en rollers al teatro (cosas que no sorprenden en la variada Buenos Aires)

Juana toca sola. Cuenta con una guitarra, teclados y unos pedales que le permiten ir combinando Loops, activando y desactivándolos para lograr distintos climas en la cancion. A veces se quedaba solo con la guitarra. A veces creaba un coro con su propia voz y sobre la repetición del mismo cantaba o improvisaba. El show empezó con la versión del Martin Fierro. Y tocó canciones de “segundo” y de “Tres Cosas”. Había momentos en que, sobre las bases rítmicas y musicales que iba creando, Juana se soltaba y como entrando en trance improvisaba libremente con la voz (scateando) entregándose toda, suelta, creando unos ambientes sonoros cada vez mas complejos y volados.

Algunos comentarios que hizo entre tema y tema mostraron que esta vigente una relación humorística con su publico, que quizás tuvo su origen en su pasado comediante. Tiene carisma y buen feeling con el público.
Yo me quedé copado con el show.
La musica de Juana parece un resultado de una mente creativa. Me imagino que sus discos deben ser una experiencia acorde para el oído cannabico.

Juana es una artista que apostó a la búsqueda de nuevas formas, nuevos colores, nuevas texturas en la musica popular. Parece escapar de las convenciones del género. Y lo que logra es bello. Es difícil encasillarla.
Hay que respetar a la gente que como ella, se anima a cambiar, se embarca en caminos arriesgados de la música popular.

Que bueno que le haya ido bien.

Mariano
El Clown de las palabras

Santana


No soy de esos que siempre que un musico hace una carrera larga, manifiesta su preferencia por “lo mas viejo” que el musico hacía, como si no se pudiera evolucionar para mejor en el tiempo; como si hubiera algo sagrado en los primeros tiempos que se va degenerando. Una nostalgia medio tonta. Pero en el caso de Carlos Santana si quieren escucharlo arranquen por el disco “Abraxas” que fue grabado alrededor de 1970 y esta buenísimo. Ahí ya Santana tenía un estilo que iría aplicando a las siguientes cosas que hizo.
Una anécdota: Cuando vino acá a mediado de los noventa a tocar en Velez, lo fuimos a ver con mi hermano. En un momento la banda se colgó con una base de regae que se prolongó en el tiempo. El público, por iniciativa propia, empezó a corear la melodía de “el regae de paz y amor “ de Sumo, que encajaba bárbaro en la base que estaban haciendo. Santana al principio parecía perplejo. Seguramente desconocía el tema. Pero festejó la ocurrencia del público tocando la melodía con su estilo, acompañando a todos los que estábamos ahí cantándola.

Mariano

El Clown de las palabras

lunes, 1 de diciembre de 2008

Spinetta en prosa




Escribir sobre Spinetta es (inevitablemente) un ejercicio banal y mundano. Al observar la complejidad de su persona, la riqueza de su obra, sentimos que cualquier intento de interpretación “racional” pone en evidencia los límites de la razón. Quizás los más indicados para referirse a ese artista sean un poeta o un pintor (yo no soy nada de eso). Spinetta y su obra conforman una estructura indescifrable, inasequible por el pensamiento.
Sin embargo, aventurándonos a escribir sobre él, señalaremos algunas características, valores éticos y estéticos que se desprenden de éste gran artista, aunque más no sea para subrayar su peso en la cultura de nuestro país.
En primer lugar, es un artista que goza de una legitimidad indiscutida. La autenticidad del flaco hay que buscarla en su obra. La gran mayoría de sus canciones no hacen la mínima concesión a “fórmulas vendibles”. Esto implica sostener que no es sólo los caminos de la independencia de las grandes discográficas o la consecuencia con una ideología lo que vuelve legítimo a un músico popular. En el flaco, la belleza que contienen sus canciones bastan para hacerlo merecedor de la categoría de gran artista. Tiene un prestigio que le sobra, que fue cosechado a fuerza de creatividad y talento. De canciones que solo hacen concesiones a la belleza. Un compositor autosuficiente que quizas, reclame para si , para todos, la libertad radical de expresarse de cada individuo. La condición sublime y soberana de la belleza.
Como es maravilloso para nuestro país haber tenido un Borges o un Piazolla, siento que deberíamos sentirnos orgullosos de tenerlo al Flaco.

En seguda instancia, mencionemos lo poco que intuimos de él como persona. Cuando uno lo ve dar una entrevista, habla con la humildad de un monje Zen mezclada con una austera picardía, aunque este diciendo cosas que enfrentan determinados funcionamientos del campo de la música (irritando talvez a los mercaderes) o de la sociedad (enfrentando al poder).Tiene una voz y una gestualidad que expresan una sensibilidad extrema, una aparente una fragilidad, para enfrentar el mundo. No obstante, si recorremos su vida desde temprano, nos damos cuenta que esa sensibilidad está sustentada por una energía creativa y expresiva, una fuerza interior, un aplomo, que hace que su vida artística sea aún vigente y prolífica. Además parece un buen tipo; amable, cariñoso y con un sentido del humor exquicito.
¿Acaso se le puede reprochar, en tanto público, que sus letras sean oscuras, que haya que hacer un gran esfuerzo para extraer sentido de las mismas? Uno podría decir que sus letras carecen de sentido, que son un conjunto de palabras que se conjugan y forman frases bellas. Como si la belleza estuviera en las palabras, solamente. Esto sería un juicio parcial e injusto (Dice un mito que están desarrollando una computadora mucho mas poderosa a las ahora existentes que es capaz de descifrar las metáforas de un par de temas del Flaco) Quizás haya recurrido al absurdo o al sinsentido en muchas de sus letras, sin embargo en ellas, un espectador lúcido e imaginativo puede reconocer metáforas, metonimias, múltiples sentidos, imagenes, matizes, diversidad en la intensidad y la forma de decir cantando. Aunque las metáforas estén alejadas de aquello que refieren, esto mismo las vuelven más eficaces, fuente de numerosas posibles interpretaciones. Significados que quizás no estaban en la intención del creador; pero una obra de arte compleja siempre expresa más de lo que su autor buscó al crearla. En el mismo sentido, la complejidad armónica y melódica de la mayoría de sus canciones las vuelven “difíciles de digerir” No están hechas para cautivar la exigencia de un mercado. Son el fruto de la voluntad de creación libre y compleja, “autentica” y exquicita. Son un desafío a la sensibilidad. Su obra casi carece de hits (a diferencia de muchos roqueros que recurren a las “recetas de composición” más vendibles).
Para los que, quizás con un paladar vulgar, disfrutamos de esa inyección de disfrute que producen los hits ( vale aclarar que no estamos en contra de los hits, pero reconozcamos que son una concesión al gusto masivo, con fines más comerciales que artísticos), esta característica del Flaco nos resulte un tanto “elitista”. Pero el desafío está en lograr un aprendizaje o entrenamiento del gusto que nos haga crecer como espectadores, que nos vuelva más abiertos e inteligentes. Quizas la “causa” Spinettiana consista en lograr que ese hermetismo nos ensanche los límites de la sensibilidad lo que, acaso, nos ayude a mirar de otra manera el mundo al que nos enfrentamos, siempre caótico. Se ha dicho por ahí que un “clasico” es alguien que nunca termina de decir lo que se propone. En este sentido, cada cancion de su obra nos dice algo nuevo al reescucharla.

Quisiera destacar algo que me gusta del Flaco. En muchas de sus declaraciones muestra su desprecio por el totalitarismo, por la imposición violenta de una forma de pensar y actuar determinada, como la ejercen los curas o los militares (el Flaco lo dice expresamente en el libro "Martropía"). Aunque su forma de expresarse no alcance la una manifiesta actitud libertaria (como el caso del Indio Solari, por ejemplo), la belleza y la complejidad de su obra lo ponen en un sitio que enfrenta el “fast food cultural” y demuestran su integridad para mantenerse inconforme frente al lado represivo de la sociedad. Por ejemplo, su reivindicación de personajes como Artaud, al quien consideraba ya hace tiempo una de las mentes más lúcidas de su época, lo ponen del lado de la crítica a la tiranía de las “normalidades” instituidas, y en la defensa de las “anormalidades” excluidas. Escuchesé el disco “Artaud”, cuyas composiciones son bellas demostraciones de libertad creativa, donde se nos alude al poeta mencionado pero también a su ensayo “Van Gogh, el suicidado por la sociedad” (los puentes amarillos aluden a ciertas obras de Van Gogh)las referencias al drama de Van Gogh desde la mirada de Artaud constituye una apuesta a una actitud que, rechazando los aspectos coercitivos de la sociedad, constituyen una defensa del derecho a la diferencia, una opcion es extrema por la libertad . Spinetta ya en los setenta tuvo esa actitud osada y valiente. Y esto lo hizo a través de caminos artísticos muy sutiles. No necesitó de consignas literales y obvias.

Hay otra prueba de su legítimo prestigio: ha tocado y toca con los mejores músicos populares (que mueren por tocar con él); y difícilmente sea cuestionado tanto desde géneros supuestamente “mayores” (como el jazz) ni por sus pares del rock. Debe ser el tipo más respetado en el mundo del rock.

Yo aprendí a admirar su arte tardíamente. Aunque en el caso de un clásico, nunca es tarde para acercarse a él. Porque nunca fue una moda pasajera. Siempre hizo, en mi opinión, lo que le dictaba su creatividad autónoma, experimental, sublime. Dentro de su gran discografía es difícil escoger “lo mejor”. Pero, para alguien que nunca lo ha escuchado, se puede empezar por el disco “estrelicia”, un disco en vivo acústico con bellisimas canciones. Para los más roqueros les recomiendo, en cambio, el primer disco de su banda “invisible” o alguno de “pescado rabioso”.

Una frase del Flaco”…el verdadero problema de cualquier creación artística sería que, si uno aplicara la puesta en escena moral que esencia es la lucha entre tiniebla y luz, entre muerte y vida, y quisiera que prevalezca una de ellas, la obra carecería de contraste. Rembrandt se moriría de hambre” (del libro “martropía”, que recomiendo a quienes quieran ahondar en el mundo del Flaco) No hay desdén por los valores en la obra de Spinetta, lo que sucede es que los elementos que surgen de la ética están al servicio de crear belleza. El bien y el mal por ejemplo aparecen juntos, porque la prevalencia de uno por sobre el otro le quitaría “contraste” (una metáfora de pintor) y echaría a perder el equilibrio que la pintura-canción requiere para brindarnos un espectáculo bello. Se podría sostener (muy esquemáticamente) que la ética se encuentra al servicio de la belleza. Esta ultima reclama soberanía y se atreve a reclamar un derecho a ser el fundamento profundo de la actividad del creador. Salvo unas pocas veces donde cree que es pertinente expresar mas claramente la realidad terrible que inspira la letra; como en la cancion "Bosnia"
No exagero si digo que Spinetta no sólo es el mejor artista de rock que tiene la Argentina, quizás es uno de los mejores que ha dado el mundo. En él hallo la Luz, una brújula estética que el rock quizás halla perdido hace tiempo.

Mariano
Payaso de las palabras.

PD: Cuando encuentre mejores palabras volveré sobre Spinetta.

Para los barrabravas del rock


¿Mollo se amariconó?

Melissa Etheridge & Joss Stone - Janis Joplin Tribute