Fito Paez . Desde “vengo a ofrecer mi corazón” hasta “vivir atormentado de sentido”

En su carácter de “Psicodelica Star de la mística de los pobres”, Fito Paez viene trayéndonos sus canciones desde comienzos de los ochenta. Allí nos decía “quien dijo que todo está perdido” en el contexto de una sociedad que había sido herida por el terror y había perdido mucho. Entonces el ofrecía su corazón como el granito de arena para ayudar a renacer, a volver de las tinieblas. Esta canción “yo vengo a ofrecer mi corazón” puede ser la expresión de cierto compromiso que Paez con quienes buscaban reconstruir el tejido social posdictatorial.
El rosarino había llegado a Capital con la trova de Baglietto y compañía. Pronto es convocado por Charly García para formar parte de “Clics Modernos”. Y Luego se largaría con su carrera solista.
Pero acá no se hacen Biografías. Acá se trata de dar un punto de vista, una interpretación libre sobre el artista.
Como compositor fue experimental en sus comienzos, Influido por Spinnetta, Nebbia y Charly. Luego conforme su carrera fue interactuando con la industria musical, empezó a dar más espacio a los hits.

Digresión: Los hits en general, aunque son a veces juzgados desde un extremismo “anticomercialista” como una concesión al mercado, son tambien generadores de un fenómeno fantástico al escucharlos en los discos o (mejor aún) en un recital. Los hits producen un estado de catarsis entre el artista y su público. Un estado de conciencia mágico. Hedonismo puro: placer narcisista del artista y placer de la sensibilidad del público. El público goza de los hits como si se tratara de una inyección intravenosa de disfrute. Y esto es algo maravilloso, no sólo un fenómeno “pervertido” por las fuerzas del mercado.
Volviendo a Fito, él tiene muchos hits que hacen que uno goce de un recital suyo de esta forma inocente, sin mediar cualquier análisis critico. Afortunadamente me pasa que a la hora de escuchar un disco o ir a un recital, o ver una película, me desprendo de mi (escaso) bagaje de pensamiento critico y disfruto tan ingenua e inocentemente como cualquier otro espectador.
Si hablamos de las letras de Fito hay que subrayar su carácter autorreferencial. Todas parecen impregnadas por alusiones a su historia personal, el relato de algo de lo que él fue testigo, sus amores, sus cavilaciones existenciales, etc. En definitiva, Fito se “abre” en cada letra, te invita a ser espectador de su subjetividad. Y quizás en ello resida gran parte de su belleza, porque el tipo es copado, su biografía es interesante, es inteligente, le gusta leer, el cine, las mujeres bellas y talentosas. La subjetividad de Fito nos es exhibida en sus canciones. Y son canciones que, salvo algunas frases crípticas, derrochan sentido. Por eso de aquí en adelante haremos un recorrido por lo que nos sugieren las canciones que más me gustan de él.
“Tres Agujas”: el viaje, una nación sin cruces (religión: “una iglesia es como un circo”) ni banderas ( sin nacionalismo). El mundo partido por la mitad de principios de los ochenta. Su canción es un “antídoto liviano” contra todo eso. La referencia a un amor en el que está “tranquilo pero herido”. Recomiendo escuchar la versión del disco “Euforia”
“Cable a Tierra”: Parece una mano tendida a alguien repasado con la merca. Le recomienda abrirse al amor como cura. Y él (el sujeto de la canción), camina (o sea se ofrece)”bajo la luna” hacia el amigo que puede estar “cegado de poder”. Hay una disyuntiva. Por un lado está el teléfono del dealer, por el otro, la mano amiga que llega al rescate.

“Instantáneas de la calle” hay, como el titulo lo indica, una sucesión de imágenes (como fotos) del escenario urbano. Mientras él está anclado sin su amor y se le hace difícil. “Al borde de un cielo sin sol”. Mientras entre otras cosas Olmedo se ríe de todo. Y él siempre volviendo al corazón de ella. Es una cancion muy cool que está en el disco que Hizo junto al Flaco Spinetta (nada menos)

“Ciudad de pobres corazones” Una ciudad donde se matan a pobres corazones (se dice que fue una alusión al asesinato de sus abuelas) “Buen dia lexotanil”: las pastas que lo ayudan a aguantar el dolor. Y un grito desafiante: “no me veras arrodillado”, no va a dejarse caer ante la violencia.

“Polaroid de Locura ordinaria” Es de esos hits donde cuenta una historia de una personaje femenino junto con la que lleva una vida bohemia, desordenada, de excesos, ocio y el coqueteo con el suicidio “ se hundió la gillette” “sangró y se reía como loca”

“tercer mundo” Es la enumeración de personajes públicos de su época. Es la Biblia y el calefón. Imágenes como Kadafi que en una disco pide petróleo pero le dan “fernet que es un buen veneno” Una ensalada divertida de personajes. Y él que no sabe como vino a parar al tercer mundo.

“Carabelas de la nada” una descripción de su mundo. Carabelas que no llevan a ninguna parte. Una cancion desde el alma. La canción es un catalogo del material que a uno lo inspira para componer. Desde la mención de Chico Buarque, pasando por el coqueteo con el tango, la muerte de un tipo en Mataderos “un balazo en un aguante”. La canción es melancolica. Si uno esta tomando un vino tinto la frase “ Hoy paré con la botella, todos saben lo difícil que es zafarse de ella” le otorga onda al asunto. Yo me tomé más de un vino escuchándola.

“Hazte Fama” Es una forma de tomarse con humor esa fama de reventado que se hacen los musicos de rock. La bronca que les dan a las vecinas chismosas y el prestigio que le da cierta fama de reventado a los roqueros. (Fito suele hacer alarde de sus borracheras y demas vicios en entrevistas) “Cuando este mundo se agita” (cuando es agitado por el roquero) “todos empiezan a joder”

“y dale alegria a mi corazon”: Es algo tan básico. Un ruego pidiendo alegria , nada mas que alegria. La presencia de Luis Alberto Justifica la cancion.

“Petalo de sal”: La letra es un poco críptica. La ciudad pierde sentido si no esta ella. La melodía , el arreglo y la presencia del flaco, son una combinación exquisita.

“ A Rodar la Vida” Es una canción festiva. Un hit. La conciencia de que uno está vivo y la vida empieza a rodar. Se puede interpretar como la alusión a cómo la vida de Fito tomo un curso vertiginoso a partir de el éxito de su álbum anterior (Tercer Mundo). La propuesta final es copada: “ si un corazón triste pudo ver la luz, si hice mas liviano el peso de tu cruz, nada mas importa” Un lujo el solo de viola de Carámbula. Él no sabe a donde se dirige su vida “pero tampoco creo que sepas vos”. La perplejidad ante el azar del destino. Canción para revolear remeras en el recital.

“Circo Beat” es una manifestación de su condicion de estrella de rock. Se justifica “mi pasado es real (me costó llegar acá) y el futuro es libertad” . La caracterización de lo Beat como un circo es un poco una invitacion a no tomarse tan en serio el mundo del rock. Ya hay aluciones a su vocación por el cine “yo me muero por Gina Rowlans”. ¿Quienes serán lo monos que están “devastando este lugar”?

“Mariposa Teknicolor”: El carácter fílmico de los recuerdos de la vida. Fragmentos de vida de Fito (los domingos en el club, etc) en una imaginaria película (teknicolor) ¿no es acaso un poco análogo al lenguaje del cine el funcionamiento de nuestra memoria? Otro hit que despliega energía.

(Hay que hacer especial mención a la impresionante labor del bajista Guillermo Vadalá a lo largo de gran parte de la obra de Fito. Un Bajista impresionante)

“Cadáver Exquisito” Es la alusión a una técnica del surrealismo para crear. Referencias a la vida. Fito busca su piedra filosofal (una sustancia que según la alquimia tendría propiedades extraordinarias y que aquí quizas se trate de algo capaz de desencadenar el poder creativo) en una novela (recomendable) de Arlt “los siete locos”, en un cadáver exquisito, en la quinta esencia de la musica, etc. Los arreglos y la ejecución del tema están bárbaros

El disco que Hizo junto a Sabina está plagado de temas bárbaros. A mi me gusta particularmente el primero “La vida moderna” Donde aparece la necesidad de descifrar “el álgebra de la vida moderna” y la necesidad de trascender “hasta el año cien mil” Pero en definitiva la ecuación (la cifra, el secreto) de la vida moderna termina siendo la soledad. Me gusta la polenta que tiene el tema y los arreglos.

“Al Lado del Camino” En este tema la letra es la protagonista. Es como un manifiesto existencial donde parece plantearse un cambio en su postura. Fito, que en un principio ofrecía su corazón, y así establecía un compromiso, ahora prefiere hacerse a un costado de los acontecimientos(estar “al lado del camino”) y dejar que todo pase. Se permite decir, con incorrección política: “yo ya no pertenezco a ningún ismo” lo que equivale a decir “ahora pienso libremente y respondo por mi mismo, me hago cargo de ser un individuo” .Todo un desafío.¿será acaso el fin de ese compromiso que había establecido en “yo vengo a ofrecer mi corazón”?. De todos modos es solo una canción no un discurso político. Ye esto es una libre interpretación y no LA VERDAD sobre Paez.
Una frase maravillosa: “vivir atormentado de sentido, creo que esa sí es la parte más pesada” Frase que refleja el sentimiento de todo aquel que se atrevió en la vida a jugar con el sentido, a crear, a leer, a hacer públicas sus opiniones, etc En definitiva quien piensa y se atreve a cuestionarse los caminos “correctos” de la vida. Como lo hizo y lo sigue haciendo Fito, aunque sepa que el precio es “vivir atormentado de sentido”. Esto último refleja lo que se juega todo el tiempo en una existencia como la de Fito.

Jimmy Hendrix. Aludido en un fragmento de ficción

"...Un día pasó algo que me marcaría a fuego: escuché un disco en vivo de Jimmy Hendrix. Esa experiencia abriría nuevas puertas en mi sensibilidad. Se trataba de la expansión de los limites expresivos de una guitarra hasta llegar a esos lugares de la experiencia rockera, donde las convenciones y los cánones se disuelven, donde se crean nuevos colores, nuevos matices y sutilezas y, en el caso de Jimmy, ruidos y tormentas sonoras que parecían desafiar las estructuras conservadoras de la realidad ordinaria. Un negro (en un país dominado por los blancos) osaba recorrer un camino que, partiendo de canciones convencionales de tres minutos, iba retorciendo las reglas del rock hasta llegar a un éxtasis de surrealismo sonoro, de realidades lisérgicas donde reinaba la plena libertad de las capacidades expresivas. Todo eso provocado por el ensamble de tres instrumentos. Un trio (“power trios” se los llamaría mas adelante): batería, bajo y guitarra. La banda de hendrix exhibía sus creaciones al público masivo e influía a otros músicos de diferentes partes del mundo merced al poder de los medios de difusión.
Claro que en las raíces de ese despliegue de talento estaba el blues, el soul, la música negra en general; y además las experimentaciones habían llegado a cimas admirables en el jazz de los cincuenta. Pero esto de Hendrix y sus compañeros tenía la fuerza y la dimensión propias del artista de rock exitoso: se volvía héroe para multitudes de jóvenes, sus creaciones trascendían lo musical y lo poetico, implicaba una actitud osada provocadora y liberadora, una estetica extrabagante, el ejercicio de una radical libertad de creación. Jimmy hacia mella en gran parte de la juventud de la sociedad norteamericana desafiando al conservadurismo, allá por fines de los años sesenta. Era negro Jimmy y se atrevía a tocar una versión del himno nacional yanqui a toda distorsión haciendo que su guitarra eléctrica emitiera alaridos, semejantes a gritos de dolor ¿Se trataba de una manifestación de patriotismo o una crítica alusión al horror de la guerra que su país llevaba adelante en Vietnam? ¡Un negro atreviéndose a eso! Sin duda revolvería el estómago del WASP norteamericano. En su atrevimiento, Jimmy se hacía cargo del espíritu de la efervescente juventud de esa época y se convertía en un paradigma, un mesías de la psicodelia y la contracultura. Quizas la intensidad con la que vivió sus ultimos años resultó demasiada exhigencia para un cuerpo humano. Murió prematuramente, como un Cristo del rock, de su raza, de la cultura pop, moría joven y en su cima. De esa manera se convertía en una estrella del cielo que guiaría a miles de navegantes de la cultura rock..."

Mariano
Clown de las palabras

Juana Molina

Quizas recuerden su programa Juana y sus Hermanas. Donde Juana Molina encarnaba diversos personajes con un humor absurdo: Una cheta, una psicologa (que tenía una muletilla “decimmmoss”). etc. Yo veía el programa, que quedo sepultado por la maquina de olvidar de la televisión.
Un día, en la época en que compraba discos de un catalogo, me encontré con uno de Juana llamado “segundo”. Decidí comprarlo por curiosidad. Lo puse a reproducir y me encontré con algo nuevo, una composición que podría llamarse psicodélica, ya que logra abrir y expandir los codigos con los que digerimos la musica popular. Ritmos de influencias de música indú. Teclados que ascienden y decienden los acordes de una forma que no salta por intervalos convencionales (un semitono por ejemplo), sino que recorren todo lo que hay en el medio, pareciendo desafinar, pero logrando un efecto “slide” loco. Loops de guitarra sobre los que se desarrollan melodías de una voz afinada simple y nada impostada (quizas esa forma de cantar la haya heredado de su padre, el talentoso Horacio Molina). Melodías simples, casi infantiles pero con sutiles detalles que las enriquecen y contribuyen a enrarecerlas, a favor de los amantes de la originalidad.
Las letras carecen de pretensión poética. O más bien, contienen la belleza de lo no pretencioso; se anima a hacer una versión de las primeras estrofas del Martin Fierro, mas adelante cuenta la historia de un perro que ladra cuando su dueña no está molestando a los vecinos. Tambien hay ruidos de la naturaleza que adornan temas como en “el mantra del bicho feo”. Desde “segundo” (que resulta ser el segundo disco que graba) consigue un sonido original y creativo.

Algo después de haberla escuchado por azar, me enteré que su disco “tres cosas” había logrado la bendición de un crítico del New York Times, situándolo entre los mejores álbumes grabados ese año, a la par de U2 , Bjorg y otros Grandes. También me enteré que Juana había sido elegida para actuar de soporte en una gira de David Byrne (un músico siempre atento a lo que pasa en la periferia).

La cuestión es que me enteré que Juana se iba a presentar en el teatro ND Ateneo. Y yo, decididamente compré un ticket y me fui sólo a Buenos Aires a verla.

Me senté en un hall que tiene el teatro a esperar que empezara el show. La gente que iba llegando era una mezcla de todas las edades y ondas. Había jóvenes “Goticos”, adultos en familia, adolescentes, etc. Un personaje que me llamó la atención fue un flaco alto que llegó en rollers al teatro (cosas que no sorprenden en la variada Buenos Aires)

Juana toca sola. Cuenta con una guitarra, teclados y unos pedales que le permiten ir combinando Loops, activando y desactivándolos para lograr distintos climas en la cancion. A veces se quedaba solo con la guitarra. A veces creaba un coro con su propia voz y sobre la repetición del mismo cantaba o improvisaba. El show empezó con la versión del Martin Fierro. Y tocó canciones de “segundo” y de “Tres Cosas”. Había momentos en que, sobre las bases rítmicas y musicales que iba creando, Juana se soltaba y como entrando en trance improvisaba libremente con la voz (scateando) entregándose toda, suelta, creando unos ambientes sonoros cada vez mas complejos y volados.

Algunos comentarios que hizo entre tema y tema mostraron que esta vigente una relación humorística con su publico, que quizás tuvo su origen en su pasado comediante. Tiene carisma y buen feeling con el público.
Yo me quedé copado con el show.
La musica de Juana parece un resultado de una mente creativa. Me imagino que sus discos deben ser una experiencia acorde para el oído cannabico.

Juana es una artista que apostó a la búsqueda de nuevas formas, nuevos colores, nuevas texturas en la musica popular. Parece escapar de las convenciones del género. Y lo que logra es bello. Es difícil encasillarla.
Hay que respetar a la gente que como ella, se anima a cambiar, se embarca en caminos arriesgados de la música popular.

Que bueno que le haya ido bien.

Mariano
El Clown de las palabras

Santana

No soy de esos que siempre que un musico hace una carrera larga, manifiesta su preferencia por “lo mas viejo” que el musico hacía, como si no se pudiera evolucionar para mejor en el tiempo; como si hubiera algo sagrado en los primeros tiempos que se va degenerando. Una nostalgia medio tonta. Pero en el caso de Carlos Santana si quieren escucharlo arranquen por el disco “Abraxas” que fue grabado alrededor de 1970 y esta buenísimo. Ahí ya Santana tenía un estilo que iría aplicando a las siguientes cosas que hizo.
Una anécdota: Cuando vino acá a mediado de los noventa a tocar en Velez, lo fuimos a ver con mi hermano. En un momento la banda se colgó con una base de regae que se prolongó en el tiempo. El público, por iniciativa propia, empezó a corear la melodía de “el regae de paz y amor “ de Sumo, que encajaba bárbaro en la base que estaban haciendo. Santana al principio parecía perplejo. Seguramente desconocía el tema. Pero festejó la ocurrencia del público tocando la melodía con su estilo, acompañando a todos los que estábamos ahí cantándola.

Mariano

El Clown de las palabras

Spinetta en prosa

Escribir sobre Spinetta es (inevitablemente) un ejercicio banal y mundano. Al observar la complejidad de su persona, la riqueza de su obra, sentimos que cualquier intento de interpretación “racional” pone en evidencia los límites de la razón. Quizás los más indicados para referirse a ese artista sean un poeta o un pintor (yo no soy nada de eso). Spinetta y su obra conforman una estructura indescifrable, inasequible por el pensamiento.
Sin embargo, aventurándonos a escribir sobre él, señalaremos algunas características, valores éticos y estéticos que se desprenden de éste gran artista, aunque más no sea para subrayar su peso en la cultura de nuestro país.
En primer lugar, es un artista que goza de una legitimidad indiscutida. La autenticidad del flaco hay que buscarla en su obra. La gran mayoría de sus canciones no hacen la mínima concesión a “fórmulas vendibles”. Esto implica sostener que no es sólo los caminos de la independencia de las grandes discográficas o la consecuencia con una ideología lo que vuelve legítimo a un músico popular. En el flaco, la belleza que contienen sus canciones bastan para hacerlo merecedor de la categoría de gran artista. Tiene un prestigio que le sobra, que fue cosechado a fuerza de creatividad y talento. De canciones que solo hacen concesiones a la belleza. Un compositor autosuficiente que quizas, reclame para si , para todos, la libertad radical de expresarse de cada individuo. La condición sublime y soberana de la belleza.
Como es maravilloso para nuestro país haber tenido un Borges o un Piazolla, siento que deberíamos sentirnos orgullosos de tenerlo al Flaco.

En seguda instancia, mencionemos lo poco que intuimos de él como persona. Cuando uno lo ve dar una entrevista, habla con la humildad de un monje Zen mezclada con una austera picardía, aunque este diciendo cosas que enfrentan determinados funcionamientos del campo de la música (irritando talvez a los mercaderes) o de la sociedad (enfrentando al poder).Tiene una voz y una gestualidad que expresan una sensibilidad extrema, una aparente una fragilidad, para enfrentar el mundo. No obstante, si recorremos su vida desde temprano, nos damos cuenta que esa sensibilidad está sustentada por una energía creativa y expresiva, una fuerza interior, un aplomo, que hace que su vida artística sea aún vigente y prolífica. Además parece un buen tipo; amable, cariñoso y con un sentido del humor exquicito.
¿Acaso se le puede reprochar, en tanto público, que sus letras sean oscuras, que haya que hacer un gran esfuerzo para extraer sentido de las mismas? Uno podría decir que sus letras carecen de sentido, que son un conjunto de palabras que se conjugan y forman frases bellas. Como si la belleza estuviera en las palabras, solamente. Esto sería un juicio parcial e injusto (Dice un mito que están desarrollando una computadora mucho mas poderosa a las ahora existentes que es capaz de descifrar las metáforas de un par de temas del Flaco) Quizás haya recurrido al absurdo o al sinsentido en muchas de sus letras, sin embargo en ellas, un espectador lúcido e imaginativo puede reconocer metáforas, metonimias, múltiples sentidos, imagenes, matizes, diversidad en la intensidad y la forma de decir cantando. Aunque las metáforas estén alejadas de aquello que refieren, esto mismo las vuelven más eficaces, fuente de numerosas posibles interpretaciones. Significados que quizás no estaban en la intención del creador; pero una obra de arte compleja siempre expresa más de lo que su autor buscó al crearla. En el mismo sentido, la complejidad armónica y melódica de la mayoría de sus canciones las vuelven “difíciles de digerir” No están hechas para cautivar la exigencia de un mercado. Son el fruto de la voluntad de creación libre y compleja, “autentica” y exquicita. Son un desafío a la sensibilidad. Su obra casi carece de hits (a diferencia de muchos roqueros que recurren a las “recetas de composición” más vendibles).
Para los que, quizás con un paladar vulgar, disfrutamos de esa inyección de disfrute que producen los hits ( vale aclarar que no estamos en contra de los hits, pero reconozcamos que son una concesión al gusto masivo, con fines más comerciales que artísticos), esta característica del Flaco nos resulte un tanto “elitista”. Pero el desafío está en lograr un aprendizaje o entrenamiento del gusto que nos haga crecer como espectadores, que nos vuelva más abiertos e inteligentes. Quizas la “causa” Spinettiana consista en lograr que ese hermetismo nos ensanche los límites de la sensibilidad lo que, acaso, nos ayude a mirar de otra manera el mundo al que nos enfrentamos, siempre caótico. Se ha dicho por ahí que un “clasico” es alguien que nunca termina de decir lo que se propone. En este sentido, cada cancion de su obra nos dice algo nuevo al reescucharla.

Quisiera destacar algo que me gusta del Flaco. En muchas de sus declaraciones muestra su desprecio por el totalitarismo, por la imposición violenta de una forma de pensar y actuar determinada, como la ejercen los curas o los militares (el Flaco lo dice expresamente en el libro "Martropía"). Aunque su forma de expresarse no alcance la una manifiesta actitud libertaria (como el caso del Indio Solari, por ejemplo), la belleza y la complejidad de su obra lo ponen en un sitio que enfrenta el “fast food cultural” y demuestran su integridad para mantenerse inconforme frente al lado represivo de la sociedad. Por ejemplo, su reivindicación de personajes como Artaud, al quien consideraba ya hace tiempo una de las mentes más lúcidas de su época, lo ponen del lado de la crítica a la tiranía de las “normalidades” instituidas, y en la defensa de las “anormalidades” excluidas. Escuchesé el disco “Artaud”, cuyas composiciones son bellas demostraciones de libertad creativa, donde se nos alude al poeta mencionado pero también a su ensayo “Van Gogh, el suicidado por la sociedad” (los puentes amarillos aluden a ciertas obras de Van Gogh)las referencias al drama de Van Gogh desde la mirada de Artaud constituye una apuesta a una actitud que, rechazando los aspectos coercitivos de la sociedad, constituyen una defensa del derecho a la diferencia, una opcion es extrema por la libertad . Spinetta ya en los setenta tuvo esa actitud osada y valiente. Y esto lo hizo a través de caminos artísticos muy sutiles. No necesitó de consignas literales y obvias.

Hay otra prueba de su legítimo prestigio: ha tocado y toca con los mejores músicos populares (que mueren por tocar con él); y difícilmente sea cuestionado tanto desde géneros supuestamente “mayores” (como el jazz) ni por sus pares del rock. Debe ser el tipo más respetado en el mundo del rock.

Yo aprendí a admirar su arte tardíamente. Aunque en el caso de un clásico, nunca es tarde para acercarse a él. Porque nunca fue una moda pasajera. Siempre hizo, en mi opinión, lo que le dictaba su creatividad autónoma, experimental, sublime. Dentro de su gran discografía es difícil escoger “lo mejor”. Pero, para alguien que nunca lo ha escuchado, se puede empezar por el disco “estrelicia”, un disco en vivo acústico con bellisimas canciones. Para los más roqueros les recomiendo, en cambio, el primer disco de su banda “invisible” o alguno de “pescado rabioso”.

Una frase del Flaco”…el verdadero problema de cualquier creación artística sería que, si uno aplicara la puesta en escena moral que esencia es la lucha entre tiniebla y luz, entre muerte y vida, y quisiera que prevalezca una de ellas, la obra carecería de contraste. Rembrandt se moriría de hambre” (del libro “martropía”, que recomiendo a quienes quieran ahondar en el mundo del Flaco) No hay desdén por los valores en la obra de Spinetta, lo que sucede es que los elementos que surgen de la ética están al servicio de crear belleza. El bien y el mal por ejemplo aparecen juntos, porque la prevalencia de uno por sobre el otro le quitaría “contraste” (una metáfora de pintor) y echaría a perder el equilibrio que la pintura-canción requiere para brindarnos un espectáculo bello. Se podría sostener (muy esquemáticamente) que la ética se encuentra al servicio de la belleza. Esta ultima reclama soberanía y se atreve a reclamar un derecho a ser el fundamento profundo de la actividad del creador. Salvo unas pocas veces donde cree que es pertinente expresar mas claramente la realidad terrible que inspira la letra; como en la cancion "Bosnia"
No exagero si digo que Spinetta no sólo es el mejor artista de rock que tiene la Argentina, quizás es uno de los mejores que ha dado el mundo. En él hallo la Luz, una brújula estética que el rock quizás halla perdido hace tiempo.

Mariano
Payaso de las palabras.

PD: Cuando encuentre mejores palabras volveré sobre Spinetta.

Para los barrabravas del rock

¿Mollo se amariconó?

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